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miércoles, 20 de enero de 2010

Cristo de San Juan de la Cruz


Pintado por Salvador Dalí en 1951, este óleo sobre lienzo está considerado como una de las obras más impresionantes del pintor español. Igualmente, es quizás la más espectacular de las crucifixiones pintadas a lo largo de la historia, si bien no es totalmente original.

Su "originalidad" radica en la perspectiva, sin embargo, Dalí se basó en un cuadro realizado por San Juan de la Cruz (conservado en el Monasterio de la Encarnación de Ávila).

Más allá de mi admiración por Dalí, y más allá de cualquier creencia religiosa, estamos ante una obra maestra de la pintura. Lástima que para verla insitu tengamos que irnos hasta el Museo Kelvingrove, en la ciudad escocesa de Glasgow.

Como curiosidad, Dalí prescindió de uno de los elementos más dramáticos de una crucifixión: los clavos y la sangre.

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lunes, 14 de diciembre de 2009

Jardín de las Delicias


¿Cuándo? Entre 1500 y 1505

¿Quién? Jeroen Anthoniszoon van Aken, también conocido como Hyeronimus van Aeken, Hyeronimus Bosch, o simplemente El Bosco. Pintor holandés, nacido cerca de Amberes, al que hoy en día son muchos los que le consideran como uno de los más claros precursores del surrealismo, a pesar de la gran diferencia de siglos.

Una de sus tantas obras maestras es el tríptico El jardín de las delicias. Se encuentra expuesto en el Museo del Prado. La obra está dividida en tres paneles, siendo el derecho la representación del Paraiso, el central la representación de la lujuria y los pecados carnales, "las delicias"; y por último, el panel izquierdo es la representación del Infierno. En este caso de un infierno "musical", debido a la gran presencia de instrumentos musicales en él.

Perteneció a diversos dueños, hasta que en el año 1593 fue comprada por Felipe II para la colección del Monasterio de El Escorial. En 1936 pasaba a formar parte de la colección del Museo del Prado.

El Bosco, tal y como hace en otras obras, dota al Jardín de las Delicias de una fuerte carga simbólica, de tal modo que parte de su simbología sigue siendo en parte desconocida. Unido a una más que evidente fantasía a la hora de pintar, hacen de El Bosco y de esta obra uno de los pintores flamencos más importantes, y una de las obras holandeas más espectaculares de la historia.

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jueves, 9 de abril de 2009

Museo Guggenheim de Bilbao



A finales de 1991 se firmó un acuerdo entre la Fundación Guggenheim y las autoridades pertinentes para la creación de un nuevo museo Guggenheim que se ubicaría en Bilbao. A mediados de 1992, se elegía a Frank Gehry como el arquitecto que se encargaría de crear el edificio, junto a la Ría de Bilbao. En 1997, el Rey Juan Carlos I inauguraba el Museo Guggenheim.


La creación de Frank Gehry, caracterizado por diseñar edificios de tendencia deconstructivista, es para muchos la más importante del arquitecto canadiense. Es casi una obra escultórica, con un diseño en el que hay una ausencia prácticamente absoluta de superficies planas, y que sigue una línea de contorno muy orgánica.


Es un edificio que visto desde una distancia media-lejana ofrece la apariencia de un barco, en plena consonancia con la Ría bilbaina, algo inapreciable si te encuentras junto a él. Mientras, desde el aire se puede contemplar una forma orgánica, propia de la naturaleza. El edificio se integra a la perfección en la arquitectura e ingenieria circundante. Prueba de ello es el puente elevado sobre el propio museo.

El material empleado en su construcción es piedra caliza y placas de titanio. Y cada una de las piezas es única, algo sin duda digno de elogio.

Actualmente, el Museo Guggenheim de Bilbao es uno de los edificios más importantes no solo de España, sino del mundo. Sin duda todo el que vaya por Bilbao debe al menos visitarlo por fuera, ya que las colecciones que alberga en su interior no son del gusto de todos. El día que vaya por Bilbao (prometo ir algún día, no sé cuando), probablemente sea uno de los primeros sitios que visite.

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miércoles, 1 de abril de 2009

La apoteosis de Homero


¿Cuándo? En 1827
¿Quién? Jean Auguste Dominique Ingres, pintor francés del siglo XIX
Este pintor francés (ante el cual me quito el sombrero) tiene un estilo muy propio de pintura, el conocido como Ingrismo. Es una mezcla de estilo romántico, realista y clásico, todo ello apoyado en una clara predilección del dibujo sobre el color (dando grandes resultados), y sobretodo en una temática casi predominante de temas orientalistas.
Sin embargo la obra que aparece aquí se desplaza hacia una temática claramente clasicista. Para empezar la obra queda enmarcada en un templo clásico. Y en torno a él, y al poeta Homero, se desarrolla una cascada de personajes identificables casi a simple vista la mayoría (todos son personajes conocidos de la historia). De este modo, con Homero en el centro, coronado por una Victoria alada (de inspiración rafaeliana), encontramos a sus pies las figuras que simbolizan a sus obras principales: La Odisea (derecha), y La Iliada (izquierda). Es junto a ésta última donde se encuentran dos figuras inspiradoras de la pintura de Ingres: Apeles y Rafael. A la derecha de las escena se encuentran figuras tan importantes como el escultor Fidias, el artista Miguel Ángel, o el escritor Moliere. En total, 45 personajes, entre los que se encuentran Herodoto, Sofocles, Virgilio, Dante, Shakespeare, Alejandro Magno, Aristóteles, Sócrates, o Platón.
Aunque es una escena caracterizada por una gran sobriedad y que puede resultar bastante estática, la genialidad de Ingres en el dibujo, acompañado por el colorismo, hacen de ella una obra "animada". De una casi perfecta simetría, es probable que la obra no sea del gusto de todos, pero es una composición de gran perfección, y una buena maestra de la capacidad de Ingres como retratista.

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miércoles, 25 de marzo de 2009

Casa Milá


Entre 1906 y 1910, el arquitecto Antoni Gaudí levantaba uno de los edificios emblemáticos de Barcelona. Conocida como La Pedrera, debido al predominio de la piedra como elemento constructivo, se encuentra en el famoso Paseo de Gracia de la capital catalana.

El edificio son dos casas de vecindad, uniformadas gracias a las líneas que establece la fachada, en una especie de cinturones. Para su construcción, Gaudí se inspiró en las formas de la naturaleza. Las plantas de cada una de las vecindades es claramente distinta de la otra, de forma que quedan establecidos dos edificios distintos, enmarcados dentro de uno sólo.

Para construir la fachada, se realizaron moldes que sirevieron para la creación de las piedras que la componen. Estas piedras quedan a su vez enganchadas en cinturones metálicos, dando estabilidad al conjunto. A su vez, los balcones llegan a parecer hierbas en una fase de abstracción.

Aunque en un principio Gaudí había concebido la Casa Milá como un enorme pedestal para un grupo escultórico de la Virgen del Rosario flanqueada por San Miguel y San Gabriel, éste grupo quedo sustituido por las figuras antropomorfas que otorgan una especial característica al edificio.

Gaudí es con derecho propio uno de los arquitectos españoles más importantes de la historia, y todo aquel que pasé por Barcelona debe sin duda dedicar al menos un minuto a contemplar su fascinante, y puede que a veces inquietante, obra.

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martes, 30 de diciembre de 2008

El matrimonio Arnolfini


¿Cuándo? En 1434

¿Quién? Jan Van Eyck

Con sus apenas 81 centímetros de alto y 59 de ancho, es probablemente uno de los cuadros más conocidos del mundo.

Representa a una pareja recién casada, o durante la ceremonia de matrimonio: los Arnolfini. Era una familia de comerciantes italianos que se habían establecido en Brujas. En la obra aparecen varios ritos de la ceremonia matrimonial, como la imposición de manos con el juramento de fidelidad. También aparecen testigos, reflejados en el espejo. Se entiende que uno de ellos sería el propio Van Eyck, lo que explicaria la firma "Jan Van Eyck estuvo aquí" (donde aparece la fecha además)

El interior representado es lujoso, en un claro acercamiento a la posición acomodada de los representados y a lo cotidiano. Obra de numerosos simbolismos, podemos destacar entre ellos el símbolo de la fidelidad, representada por el perro. También importante es el abultado vientre de ella, que en realidad no estaba embarazada, como parece representar, sino que era una "moda" los vestidos abultados, además de poder considerarlo como un símbolo de fertilidad.

Mención aparte merece el espejo, realizado de forma minuciosa y en el cual, en muy pequeño tamaño están representadas escenas de la Pasión. Sin duda una muestra de la maestría de Van Eyck. Además, era un símbolo de buena suerte.

Como curiosidad, la obra llegó a pertenecer a la corona española, pero tras las invasiones francesas el cuadro fue a parar al país vecino.

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martes, 23 de diciembre de 2008

Anfiteatro Flavio


O como es conocido comunmente, el Coliseo de Roma.

¿Cuándo? entre los años 70 y 72 d.C.

Se inició por tanto bajo el reinado de Vespasiano, aunque su hijo Tito lo continuó, hasta que finalmente fue Domiciano quien se encargó de que se concluyera. Los tres hicieron que se consagrara.

Con una altura de 50 metros, y una longitud de 180 x 156 metros, es sin duda una de las más espectaculares obras que se pueden ver en Roma. Gracias a su fachada, lo mejor conservado, sabemos casi con exactitud como era el edificio, a pesar del desaparecido graderio.

Sus cuatro pisos muestran una superposición de órdener arquitectónicos: Dórico en el inferior, Jónico en el segundo, Corintio en el tercero, y un cuarto piso con pilastras corintias. En el piso inferior 80 arcadas, además de 4 entradas monumentales, daban paso a los pasillos que daban acceso a los diferentes espacios del edificio. Toda la fachada estaba además cubierta con placas de travertino.

En el interior se puede observar toda la cimentación. El graderio se sujetaba a través de 7 anillos concéntricos y 80 muros radiales que los unian. Los pasillos eran todos abovedados. El núcleo está cubierto de ladrillo.

¿Porqué sus nombres? Aunque se le conoce como Coliseo, su nombre real es Anfiteatro Flavio, por el simple motivo de haber sido construido por la familia Flavia durante su reinado en Roma. El nombre de Coliseo viene dado por un coloso que antiguamente se encontraba junto al edificio, aprovechando de paso la magnitud del anfiteatro.

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lunes, 22 de diciembre de 2008

Una petición

Como me ha pedido Elen, voy a dejar constancia de dos obras brevemente: Apolo y Dafne, y El hermafrodita. Hoy solo imágenes, tal vez algún día hable de ambas.

Esta es la de Apolo y Dafne:


Y El hermafrodita de El Louvre (hay una versión muy parecida en El Prado), por delante....

Y por detrás.....

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miércoles, 17 de diciembre de 2008

El rapto de Proserpina


¿Quién? Gian Lorenzo Bernini. Escultor italiano de finales del siglo XVII

¿Cuándo? En torno a 1621-1622

¿Qué? La representación de Plutón, señor del inframundo (el Hades griego), raptando a la joven Proserpina (Perséfone en la mitología griega)
Una de las grandes obras de ese genio que fue Bernini. Plutón "sale" del infierno para llevarse a Proserpina y casarse con ella. Según la mitología, pasarian seis meses al año juntos, de forma que se establecen así los ciclos otoñales e invernales, ya que cuando Proserpina regresa con su madre, Ceres, ésta siembra todo de flores para la bienvenida.
Obra de grandísima calidad, con una textura que casi se convierte en auténtica piel, gracias a detalles como la mano de Plutón clavándose en la carne de Proserpina, moldeadas con una calidad tal que parece auténtica. Detalles como este son los que hicieron de Bernini un genio. Al igual que la piel de Plutón, estirada ante la presión que Proserpina hace para librarse de él.
Me ha quedado algo escueto.

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viernes, 21 de noviembre de 2008

El imperio de las luces




Desde que me inicié en el mundo de la Historia del arte, he ido conociendo obras de arte que me han producido un gran impacto, por el motivo que sea. La que veis arriba, a pesar de que ya la conocía, es una de esas que impacta. Su autor, René Magritte, cumpliría hoy, 21 de noviembre, 110 años. Se le considera uno de los pintores surrealistas más importantes, y con razón.

Es una obra de la que existen varias versiones. En todas ellas, un denominador común: contrariedad. Dos planos contrapuestos: uno, el inferior, nos muestra una plaza a oscuras, iluminada exclusivamente por una farola encendida y la luz que se desprende de dos ventanas; y el otro plano, superior, nos muestra un cielo a plena luz, pero que no ilumina el paisaje inferior. Dos mundos contrapuestos en una sola imagen.
El propio Magritte dijo de esta obra: Un lugar nocturno bajo un cielo luminoso. En el Imperio de las luces plasmé diversas ideas: un paisaje nocturno y un cielo tal cual se vé de día. Yo creo que ésta simultaneidad del día y de la noche tiene el poder de asombrarnos y cautivarnos. A éste poder le llamo poesía
Ante obras como esta, solo queda pararse delante y contemplar.
Y me parece destacable comentar que El imperio de las luces fue inspirador de una de las obras maestras del cine de terror:

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miércoles, 12 de noviembre de 2008

La oreja de Van Gogh


No, el título de la entrada no tiene nada que ver con cierto grupo musical español, sino con ese genio que fue Vincent Van Gogh.

Nacido el 30 de marzo de 1853, su familia era de clase media. Su padre, Thedorus, era pastor protestante, y su madre, Anna Cornelia Carbentus, pertenecía a una familia de encuadernadores. Pero el dato más importante es el concerniente a sus tios paternos, que se dedicaban al comercio de obras de arte. Sin datos importantes sobre su infancia, se sabe que tenía facilidad para aprender idiomas, y que abandonó muy joven las clases para trabajar en una galería propiedad de su tio, en La Haya. Aquí permaneció cuatro años, conociendo gran parte de la historia de la pintura a través de las obras que pasaban por sus manos, y sobretodo conociendo la obra de su admirado Jean François Millet.

Con 20 años se traslada a Londres para trabajar en la sucursal que su tio tenía allí. Es entonces cuando descubre la obra de John Constable y de Joseph Mallord William Turner. También aquí es donde empezó presumiblemente a tener sus problemas psiquícos (hay quien dice que debido a un fracaso amoroso). Fue trasladado a París, donde se obsesiona con la religión y comienza a tener un aspecto claramente descuidado. Tras viajar a Londres para trabajar como profesor, en 1876 regresa a Holanda y comienza a trabajar en una libreria. Posteriomente trabajaría como predicador, con escasos ingresos, en Bélgica. Esto motiva que su hermano Theo comience a ayudarle económicamente, algo que sería ya vitalicio. De regreso a Holanda, tiene nuevamente malas experiencias amorosas, desde el rechazo de su prima, hasta vivir con una prostituta embarazada y madre, a quien propuso casarse. Fue entonces cuando su padre decide considerarle demente y le aleja de ella. Este es un hecho importante, ya que en La Haya permanece bajo la dirección artística de su tio, Anton Mauve, y Vincent pinta su primer cuadro al óleo. Theo le daba apoyo económico anticipando las ventas de los cuadros que iba pintando, cuadros que no se vendían. Sin embargo, a Vincent no le faltaba razón cuando declaraba a su hermano que "yo no tengo la culpa de que no se vendan, pero un día la gente se dará cuenta que tienen más valor que lo que me cuestan las pinturas". Al morir su padre se traslada a Amberes, donde descubre la pintura de Rubens y de Delacroix, y desde aquí de nuevo a París, motivado por continuar su aprendizaje.

En París conoce a Henri Toulouse-Lautrec y Edgar Degas, entrando así en contacto con los impresionistas; y también a Paul Signac y Emile Bernard, que consideran acabado el Impresionismo. Pero sobretodo conoce a Paul Gauguin, estableciéndose entre ambos una relación amistosa y de respeto mutuo. A principios de 1888 Vincent se trasladó a Arles, donde bebia menos y creaba más, y se sumergió en una gran soledad, lo que hizo que invitase a varios artistas a su casa, la Casa amarilla. Únicamente Gauguin aceptó (apoyado por Theo). Alegre por la idea de que llegara su amigo, Vincent se dedica a pintar representaciones de girasoles. Con Gauguin en Arles, la convivencia se volvió más dura, con fuertes discusiones, hasta que el 23 de diciembre de 1888, tras una fuerte borrachera, y tras amenazar a Paul con una navaja de afeitar, Vincent Van Gogh se corta la oreja después de que Gauguin se marche al hotel. En señal de arrepentimiento, Van Gogh le envió el lobulo a su amigo por medio de una prostituta. A partir de entonces las entradas y salidas de sanatorios mentales y hospitales fueron constantes. Es en esta época cuando se le conoce como "Loco de pelo rojo". Posteriormente regresa al norte de Francia, alentado por la paternidad de Theo. En Auvers-sur-Oise permanece al cuidado del doctor Gachet, quien le prohibe pintar tras un nuevo ataque en que Vincent intenta tragarse sus pinturas.

El 31 de enero de 1890 nace el hijo de Theo, al que llaman Vincent Willem. Esto llena de alegría al pintor, por llamarse su sobrino como él, y además se vende su primer cuadro. Viajó varias veces a París para estar con su hermano y su familia. Pero se establece en Auvers, llegando a pintar más de 80 cuadros en apenas dos meses. Sin embargo, viendo en París la situación de Theo, agobiado por la mala situacion laboral y la enfermedad del pequeño Vincent, el pintor se considera una carga para Theo, y tiene un nuevo ataque (a pesar de que Gachet le consideraba curado). Esto provocó que el 27 de julio de 1890 se pegase un tiro que no fue mortal. Los médicos que le operan no consiguen sin embargo sacarle la bala. Su hermano Theo se va a verle y permanece con él dos días, hasta que muere el 29 de julio de 1890. Se encuentra enterrado junto a su hermano (que murió seis meses después que él) en el cementerio de Auvers.

Vincent Van Gogh es uno de los grandes genios de la pintura, con un estilo muy personal. Durante los 10 años en que desarrolló su obra llegó a pintar más de 900 cuadros. Son muchos los rumores que indican que esta extensa producción se debia bien a su alcoholismo, bien a su enfermedad (no queda claro si padecia trastorno bipolar o epilepsia, aunque probablemente lo primero), si bien cuando bebía se declaraba angustiado por no poder crear. Es uno de los pintores que más fama ha adquirido tras su muerte. De hecho, en vida solamente vendió una obra. Su cuñada fue quien más le promocionó, al ser heredera de toda su obra, tras la muerte de Theo. La influencia de Van Gogh en el arte postimpresionista y en general de las vanguardias históricas es importantísima.

Como curiosidad y para terminar este "rollazo" que he soltado, recomendar la película "El loco del pelo rojo", biografía sobre el pintor, con dos actores impresionantes: Kirk Douglas como Van Gogh, y Anthony Quinn como Paul Gauguin (ganador del Oscar por este papel).

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miércoles, 29 de octubre de 2008

Palacio de Linares


Posiblemente sea uno de los palacetes más conocidos de la capital, y no por su valor y calidad artística y arquitectónica, sino por ser protagonista de uno de los acontecimientos sobrenaturales más conocidos de Madrid, independientemente de que fueran o no falsos.

El palacio se comenzó a construir en 1877, aunque no fue hasta inicios del siglo XX cuando fue finalizado. Sin embargo eso no impidió que sus propietarios se trasladaran allí.

Fue el marqués de Linares, José de Murga, quien compró los terrenos al Ayuntamiento de Madrid, para encargar después al arquitecto Carlos Coludí la construcción del palacio. Los diseños a seguir eran obra del francés Adolf Ombrecht, y también participó en algunas partes, como la famosa Casita de muñecas, el arquitecto Manuel Aníbal Álvarez.

Los materiales que forman parte de la construcción, así como la decoración es de una gran calidad. Inspirada en estilos franceses la decoración está formada por elementos como tapices de Gobelinos, pinturas mitológicas decorando techos, alfombras fabricadas en la Real Fábrica de tapices, sedas chinas, y otros elementos. En cuanto a materiales empleados en la construcción, destacan sobre el resto los mármoles de Carrara. En conjunto tenemos un palacete en el que se emplean diversos historicismos: barroco, rococó, renacentista, e incluso oriental.

Situado en la plaza de Cibeles, en la esquina entre la calle Alcalá y el Paseo de Recoletos, pasó por diversos propietarios, hasta que tras la Guerra Civil estuvo a punto de ser derruido. Sin embargo, no se produjo ese derribo y el Palacio estuvo cerrado durante casi 100 años, hasta que en 1992, coincidiendo con el quinto centenario del descubrimiento, fue convertido en Casa de América, lugar donde actualmente se realizan desde exposiciones hasta conferencias relacionadas con el intercambio cultural entre España y el Nuevo continente.

En 1976 fue declarado Monumento histórico artístico.

José de Murga se casó con Raimunda Osorio (dato completamente real). Pero resulta que ambos desconocian que eran hermanos, motivo por el que el padre del marqués intentó disuadirle de la boda, para lo cual le envió a Londres. Al poco tiempo de su llegada a la capital inglesa, José de Murga recibe la noticia del fallecimiento de su padre, regresando inmediatamente a España, y casándose con Raimunda. Durante la mudanza posterior al Palacio, y revisando papeles, el marqués encontró una carta que nunca le fue enviada en la que su padre le revelaba el parentesco con Raimunda.

Según la leyenda tuvieron una hija, a la que asesinaron y emparedaron; y otra leyenda dice que la hija era de una criada, y que los marqueses la adoptaron. Leyendas hasta la saciedad.

En 1901 moría Raimunda, y unos meses después, un disparo fortuito acababa con José de Murga.

En poco tiempo surgieron las historias sobre casa encantada en el palacio, algo que sigue hasta hoy, y fueron muchos quienes se negaron a habitar el palacio. Fue en 1989 cuando la fama de casa encantada llegó a todo el mundo. Un grupo de parapsicólogos supuestamente grabó psicofonias y tomó imágenes de espiritus en el palacio. Somos muchos los que recordamos la voz de una niña lamentándose porque decía que no tenía mamá.

Real o no, la leyenda existe.

Vaya rollazo que he soltado uniendo arte y fantasmas.

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miércoles, 22 de octubre de 2008

Las puertas del infierno


Corría el año 1880 cuando Auguste Rodin recibía el encargo de realizar la puerta para el Museo de Artes Decorativas de París. Sin embargo, se canceló, y por ello la puerta se quedó en el taller del escultor, quien durante casi cuarenta años le fue añadiendo diversas figuras, convirtiéndose la obra en "un boceto" para otras posteriores, ya que entre sus figuras se encuentran algunas que posteriormente se convirtieron en esculturas individuales, tales como El pensador o El beso.

Con una iconografía basada en parte el La divina comedia de Dante, Rodin realizó una obra inmensa, de 6 metros de altura, 4 de ancho, y 1 de profundidad. En total sobrepasan las 180 figuras, de medidas dispares que van desde apenas 15 cm hasta casi un metro de altura. También encuentra inspiración en poemas de Baudelaire, con lo que uniendo ambos campos, tan dispares: Dante y Baudelaire, tenemos una obra en la que se unen romanticismo y simbolismo.

La forma de realizar la obra nos transmite inmediatamente a Miguel Ángel, con figuras casi inacabadas, sin terminar de aparecer definidas, tal y como el italiano hizo con varias de sus obras. Además, la composición en si misma nos remite a la composición del Juicio Final en la Capilla Sixtina. Igualmente, se hace casi invitable pensar en obras de William Blake.

La utilización de la luz, la forma en que los altorelieves, mayoritarios, e incluso las figuras prácticamente exentas, son tratadas, hacen que sean muchos quienes consideren que la Puerta del Infierno de Rodin sea una obra impresionista.

Aunque originalmente parece ser que Rodin planteó la obra para ser fundida en bronce, el original que se conserva de su taller, y que se encuentra en el Museo de Orsay, está hecho en yeso. Es lógico pensar que no se llegó a fundir debido a la muerte de Rodin en 1917. Sin embargo posteriormente se realizaron varias copias, incluyendo por supuesto alguna en bronce.
Es una impresionante, que muestra la obsesión del artista por completarla, así como se convirtió en una base experimental para alguna de las obras que posteriormente a su muerte le han dado aún más fama.

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miércoles, 15 de octubre de 2008

El origen del mundo


He de reconocer que es probable que mucha gente me eche en cara haber puesto esta obra. Cosas de las polémicas.

¿Qué vemos? Es una pregunta tan obvia que incluso hay gente que puede sonrojarse, indignarse, estremecerse, darse la vuelta, evitar mirar, quedarse ensimismado mirando,.... porque efectivamente este cuadro representa un.....

desnudo femenino.

¿Quién lo hizo? Gustave Courbet (Ornans 1819 - Suiza 1877). Pintor del realismo francés.

¿Cuándo? En torno a 1886.

Es una obra de pequeño tamaño, apenas 46 x 55 cm, que se cree fue un encargo del diplomático turco-egipcio Khalil-Bey, que se convirtió así en su primer propietario. Posteriormente, durante aproximadamente 100 años, la obra pasó por varias manos, quedando casi siempre oculta tras otras obras, pero siempre sin ser expuesta al público. Hasta que en 1995 fue vendida al Museo de Orsay, donde se encuentra actualmente.

Obra de gran impacto, por el tema, claro está, pero que pone de manifiesto las virtudes de Courbet, quien saca a relucir aquí una gran valentía al reproducir anatomicamente los órganos femeninos, en una figura anónima, sin ningún reconocimiento histórico ni literario, simplemente una mujer tumbada, mostrando El origen de la humanidad (me parece más adecuado que El origen del mundo).

Courbet hace gala del conocimiento de la pintura veneciana, ya que recurre a una pincelada amplia, dotándola de una sensualidad inaudita en la época, además de unos tonos pictóricos propios de Ticiano o del Veronés, de quienes Courbet se declaraba admirador y seguidor.

Sin duda no está exenta de polémica, especialmente por parte de los sectores feministas más radicales. Pero es una pintura, una obra de arte, jamás lo veré como algo pornográfico, porque es arte, por muy sensual y erótica que pueda resultar (lo mismo que resulta con desnudos masculinos, y esto que quede claro que es el punto de vista que tengo como historiador del arte). Aunque no deja de ser verdad que es una obra admirada por muchos hombres.

Es una obra maestra, provocativa, de grandísimo realismo, sensual para muchos, humillante para muchos, y en definitiva, muchos cuando se encuentran delante de la obra, polémica y magistral, no pueden evitar hacerse una pregunta: ¿Qué coño es esto?

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miércoles, 8 de octubre de 2008

Colonia


Posiblemente de entre todos los edificios del mundo, las catedrales góticas sean una de las tipologias que más admiración despiertan. Sin duda son edificios imponentes, que a veces dan la sensación de perderse en las alturas.

He tenido la suerte de conocer muchas de ellas, y entre tantas voy a hablar de la de Colonia.

La catedral de esta ciudad alemana es probablemente una de las que más tiempo ha durado su construcción, ya que fue iniciada a mediados del siglo XIII y no fue hasta casi el siglo XX cuando se dio por concluida. Desde problemas económicos hasta influencias negativas de la propia iglesia, la catedral está siempre sumida en cuestiones que incluso hace que peligre su estructura, siendo actualmente una catedral casi en continuo estado de reparación debido a dos cosas principalmente: la contaminación, y el daño producido por ...... las palomas. Además, los conflictos bélicos no han sido precisamente una buena ayuda.

En cualquier caso, en la silueta de Colonia sigue destacando la catedral.

Sus torres alcanzan casi los 160 metros de altura, puede que una altura irrisorria en la actualidad, pero pensemos por un momento en la edad media, cuando las agujas de las catedrales "rozaban" el cielo, en como han sobrevivido estos siglos, y eso le añadirá aun más esplendor.

La catedral de Colonia es una de las de mayores dimensiones del mundo, además de la más grande de Alemania.


Por supuesto en ella se encuentran las principales características de la arquitectura gótica: grandes vidrieras, arcos ojivales, bóvedas de crucería, sensación de altura, luminosidad,....
Consta de cinco naves, siendo la central estrecha y la de más altura, algo que la dota de una gran sensación de verticalidad. En el exterior, un gran número de arbotantes, pináculos y contrafuertes hacen de esta catedral una de las más espectaculares visualmente hablando.
Durante la Edad Media, fue un centro de peregrinación, debido a que en su interior se encuentra el sepulcro de los Reyes Magos, llamado así porque según la tradición en esta arqueta se encuentran los restos de estos personajes.

Tras la Segunda Guerra Mundial, en Colonia era prácticamente el único edificio en pie.

En 1996, la Unesco la nombró Patrimonio de la Humanidad

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viernes, 26 de septiembre de 2008

Laocoonte


Una de las esculturas más conocidas de la Edad antigua es ésta de la que hablaré hoy. El grupo escultórico del Laocoonte y sus hijos se encuentra actualmente en los Museos Vaticanos, en la eterna Roma (que ganas tengo de volver).

Se realizó empleando un único bloque de mármol, y en él trabajaron tres escultores: Hagesandro, Polidoro y Atenodoro, todos ellos procedentes de Rodas. Por supuesto cabe pensar que es una copia romana del original, algo sumamente habitual por aquel entonces, pero a pesar de eso, hay que tratarla como una obra perteneciente al helenismo griego.

Durante el asedio a Troya, se dice que Atenea envió serpientes a atacar al sacerdote de Apolo, llamado Laocoonte, y a sus hijos. Según la versión más aceptada, los tres moririan por estas causas.

La realización de la obra es soberbia, con detalles excelentes. Según Winckelmann es "un espectaculo de la naturaleza humana sometida al mayor dolor que es capaz de soportar". Lo cierto es que es una obra en la que se muestra una gran tensión en todos los musculos de los tres personajes. Es una impresionante muestra del sufrimiento humano y de la imploración por la compasión de los dioses. Una escultura dinámica, escalofriantemente impactante, y sobretodo una muestra de la maestría que se puede alcanzar con un simple bloque de mármol.

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jueves, 18 de septiembre de 2008

Feminismo en el arte

Hace unos días os comentaba, en relación al acuchillamiento de la Venus del espejo, una anécdota que me ocurrió en la facultad sobre el feminismo en el arte. Pues he aquí lo que pasó:

La situación es tal que me encontraba en la asignatura "Arte de la segunda mitad del siglo XX", en la Autónoma de Madrid. Nuestra profesora nos calificaba además de por el examen correspondiente por un trabajo. El nuestro, lo hicimos entre Fran y yo, consistía en la renovación que en ese momento se estaba haciendo en los museos de Madrid; otros eran sobre pintores y otros artistas, pero sin duda el que se prestaba más a la polémica era el referente al feminismo en el arte, el cual además lo hicieron entre varias personas, (casi) todas chicas, debido a la gran amplitud de artistas que abordan el feminismo.

Llegados a este punto, la profesora nos había pedido que debido a los temas le interesaba el que debatieramos con polémica los diferentes temas. Dicho y hecho. Una de las alumnas que llevaba el tema del feminismo, planteaba la siguiente afirmación (no son palabras exactas): "La mujer siempre se ha quejado de que el hombre la ha representado un gran número de veces desnuda, dando mayor importancia al erotismo del propio cuerpo desnudo que a la calidad artística". Esto, tras debatir, llevaba a la conclusión de que el hombre representaba a la mujer desnuda por un único motivo: la mujer como ser inferior que solo sirve para el disfrute sexual. Contra ello, seguía la alumna, la mujer artista se revelaba y criticaba las obras en que las mujeres eran representadas con el cuerpo desnudo. Sin embargo, son muchas las mujeres dentro del feminismo artístico que se representan a si mismas incluso (esto generalmente en fotografía) desnudas.... Y yo, con ganas de liarla, lo reconozco, pues decidí que si querian polémica, tendrían polémica, así que en un momento dado, levanté la mano y lancé la preguntita: "¿No te resulta cuanto menos irónico que las mujeres se quejen de que los hombres las representen desnudas y que luego ellas se representen en sus obras desnudas?". La profesora no tuvo duda: "Buena pregunta". Pero todas las chicas que estaban realizando el trabajo casi me comen a gritos. El motivo que ellas daban para hacerme ver que yo estaba equivocado: el hombre representa a la mujer como deseo sexual, mientras que la mujer lo hace como representación artística. Cabe decir que 6 años después de aquello no han conseguido que lo vea desde se punto de vista, y es que para mi, sea un hombre o una mujer lo que un artista representa en una obra, le doy mucha más importancia a la obra de arte que al deseo sexual.

Quede claro que no es machismo, simplemente me parece que las actitudes feministas son tan radicales como las machistas, y que querer ver en una obra de arte el deseo sexual de los hombres es absurdo.

Como una buena muestra de desnudos os invito a que visiteis este tema del foro de artehistoria sobre desnudos en la pintura universal.

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viernes, 12 de septiembre de 2008

Pirámides de Gizah


En casi todos los paises del mundo hay un monumento que siempre es identificador de ese país. Y de todos ellos si hay alguno que se convierte en emblema nacional posiblemente sean las Pirámides de Gizah (o Gizeh o Giza).


Las tres pirámides fueron construidas cada una de ellas por un faraón, siendo la primera y más alta de Keops, la segunda de Kefren, y la tercera y de menor tamaño, de Micerinos.


La Gran Pirámide fue terminada en torno al año 2570 a.C. El nombre sin duda no es un antojo, ya que con sus aproximadamente 230 metros en cada lado, y una altura de 136 metros (originariamente 146), fue la construcción más alta durante siglos, hasta que fue superada por las agujas de la catedral de Colonia.


La pirámide de Kefren, fechada a mediados del siglo XXVI a.C. es, aparentemente, de mayor tamaño que la Gran Pirámide, pero todo se debe a un efecto óptico, ya que encontramos que sus medidas son ligeramente inferiores a su "hermana mayor", con una altura de 143 metros (sólo 3 menos que la anterior), y un lado de 215 metros. Cabe destacar el complemento de este complejo funerario del faraón Kefren, nada más y nada menos que la Esfinge.


Por último, la "pequeña" de la familia, la pirámide de Micerinos. No pasa desapercibida junto a las dos grandes pirámides, y no por sobrepasarlas, sino por constituir un pequeño agregado a ellas, ya que con 66 metros de altura, y 103 de lado, la pirámide de Micerinos parece desentonar dentro del basto complejo de Gizah. Sin embargo, juntas forman la única maravilla del mundo antiguo que sigue en pie.


Situadas en la meseta de Gizah, las pirámides siempre han despertado teorias (unas más inverosimiles que otras) sobre su construcción. Siempre ha sido idea universal que su construcción fue llevada a cabo gracias a la barata mano de obra que suponia el emplear esclavos. Sin embargo, y aunque no se puede descartar en absoluto la presencia de la esclavitud, hoy en día sabemos que a la hora de construir estos impresionantes monumentos fueron en su mayoría trabajadores, contratados con un salario a cargo del faraón, quienes participaron en la construcción. También se conoce la procedencia de las piedras: canteras de la propia Gizah, granito rosa de Asuán, y caliza blanca de Tura.


Sobre su construcción, la teoría más aceptada hace pensar que poco a poco se fueron levantando las pirámides gracias a rampas a través de las cuales, situadas en los lados de las construcciones, se iban rodando las piedras que luego formarian toda la estructura piramidal. Por supuesto, de lado queda la teoría, siempre recurrente en la antigüedad, de construcciones extraterrestres. Algo que es alimentado por la exacta correspondencia de los vertices de las pirámides con los cuatro puntos cardinales.




Cuentan que cuando Napoleón Bonaparte dirigió las campañas militares contra Egipto, delante de las pirámides, arengo a sus tropas con la famosa frase: Soldados, recordad que desde lo alto de estas pirámides, cuarenta siglos os contemplan. Cabe pensar, porque no, que el emperador francés estaba él mismo entusiasmado contemplando las pirámides.

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lunes, 8 de septiembre de 2008

Pinceladas


No me había planteado el escribir sobre arte en este mi blog. Y digo yo, que como Licenciado en tal materia, ya iba siendo hora. No pretendo ser técnico en el aspecto de hablar sobre el tema, así que comentaré de una forma personal, sin entrar en detalles.

Para empezar una obra maestra de la pintura: La Venus del espejo, de Diego Velázquez. El motivo es muy simple, hace unos meses fue expuesta en el Museo del Prado, y como nunca había tenido la oportunidad de contemplar la obra en persona (en su ubicación de la National Gallery de Londres), pues sin dudarlo fuimos a verla.

He de decir que en parte me sentí algo defraudado. Si, allí estaba yo con Inma, delante de una de las obras maestras de la pintura universal, y me sentía defraudado. ¿Porqué? No era desde luego por la (magistral) factura técnica de la obra. Más bien me sentía así porque aún sabiendo que se trataba de una obra de no excesivo tamaño, 122 x 177 cm, tenía la sensación de ver una obra pequeña, o más bien tratada como pequeña. Me explicaré.

Si te sitúas delante de otra obra de Velázquez, por ejemplo, Las Meninas, ves un cuadro enorme, eso es indudable, que además está expuesto de forma que es apreciable por todos en la sala. En cambio, la Venus se encontraba en una sala relativamente pequeña, junto al hecho de una iluminación un tanto mediocre (fallo general en todos los museos del mundo, no es nada fácil iluminar bien en ellos), un cristal donde según tu situación veias más tu reflejo que la obra, y un marco cuyas dimensiones parecian empequeñecer la obra. Por todo ello me sentía defraudado, por estar delante de semejante obra de arte, y encontrarme "impedimentos" que me hacían disfrutar de ella. A pesar de todo, me alegro de haber podido ver la Venus del espejo. Una obra excepcional.

El "atentado" que sufrió la obra en 1914, atacada por una feminista, la cual destrozó parte del cuadro a base de cuchilladas. Afortunadamente fue lo que provocó una restauración magistral. Pues bien este incidente me lleva a pensar en algo que me ocurrió en una asignatura: Arte de la segunda mitad del siglo XX, respecto al feminismo en el arte. Otro día lo contaré.

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